Curated by_Vienna:

Since its founding thirteen years ago, curated by_vienna has evolved into a central and vital event for international contemporary art, building collaborations between international curators and selected contemporary art galleries in Vienna.

Focusing on a changing annual theme, curated by_vienna has an international outlook which is reflected by the choice of curators and the close collaboration among galleries, making curated by_vienna a unique contemporary art project of global reach.

Curated by_Vienna 2021: Comedy

(Excerpt from Essay by Estelle Hoy)

“The concepts of carnival—masks, floats, freaks, inversion, otherness— form a shell to inspect blurred lines: tragedy becoming comedy, comedy becoming tragedy, a dismantling of hierarchies—gloomy-gay imaginings of off-hand comedic maelstroms and ultraviolet mental alibis. Carnival is a short-lived parody that lives in constant relation to tragedy: a very effective political tool. Singular narratives are interrupted, systems of exchange are fluid, circulation is privileged over stasis: a lyrical comedic libido and the aphrodisiac that comes with a healthy disdain for political correctness. Satire is a way of dismantling the house, without having to go to jail for it.”

Curated by_Vienna 2021: Krinzinger Schottenfeld

On the level or the man who fell out of bed, curated by artist Jannis Varelas.

Curatorial statement:

This exhibition will be about perception, transformation and misunderstandings. I believe these are core elements of this year’s topic of curated by, Comedy. On the level or the man who fell out of bed, deals with the reverse comprehension of language as a process that starts with knowing the sounds and images of words but not being able to understand their meaning, a bit like me and German language.

This would be an ideal situation as Roland Barthes pouts it in his Éléments de sémiologie, a way to enter the magical world of the incomprehensible, like seeing something for the first time.

In this context and from a certain point of view, everything can be perceived as elusive as possible and all things possibly can become projections of one self: the carnivalesque essence of life in all its glory, humankind at will.

On the other hand and learning from the Ovidian concept of metamorphoses, one could argue that what we see as what it is, is what it has become, a transformation that gives form and meaning to what is there according to its past. In other words, the tragicomedy of life and the hilarious drama of the misunderstanding of what one should do in order to achieve what he wants.


Jannis Varelas (b. 1977, Greece) currently lives and works in Athens, Vienna and Los Angeles.

Selected solo shows include: “Double-Blind”, The Breeder Gallery, Athens (2021); “The Island”, Galerie Forsblom, Helsinki (2020); “Jannis Varelas – Tennis Elbow”, The Journal Gallery, New York (2019); “Anima I”, curated by Polina Kosmadaki and Yorgos Tzirtzilakis, The Benaki Museum, Athens (2019); “Our House”, Galerie Forsblom, Stockholm (2018); “Monster”, Onassis Cultural Center, Athens (2017); “A Duck and a Crutch”, Galerie Krinzinger, Vienna (2016); “Sleep My Little Sheep Sleep”, Contemporary Arts Center of Cincinnati (2012); “Brown Box and the Broken Theater”, Galerie Krinzinger, Vienna (2012). 

Selected group shows include: “Distorted Portraits”, Space K Seoul, South Korea (2020); “Ametria”, DESTE Foundation/ Benaki Museum, Athens (2015); “Paper works from the Saatchi Collection”, Saatchi Gallery, London, (2013); “Hell As Pavilion”, Palais de Tokyo, Paris (2013); “Skin Fruit: Selections from The Dakis Joannou Collection”, New Museum, New York (2010); “Lebt und arbeitet in Wien III: Stars in a Plastic Bag”, Kunsthalle Wien, Wien (2010); New Orleans Biennial Prospect 1, New Orleans (2008); “Destroy Athens”, 1st Athens Biennial, Athens (2007).

Curatorial projects include “Build Your Own House“, Dyo Choria Gallery, Greece 2017, “Galerie Utopia”, Palais de Tokyo, Paris (2012).

Artist list :

Vito Acconci, Stephen Aldahl, Korakrit Arunanondchai, Atelier Van Lieshout, Mario Ayala, John Bock, Monica Bonvicini, Chris Burden, Charles Burns, Hugo Canoilas, Robert Crumb, Björn Dahlem, Alex Eagleton, Herbert Fritsch, Apostolos Georgiou, Tasos Gkaintatzis, Franz Graf, Martin Grandits, Vassilis H., Rachel Harrison, Max Hooper Schneider, Dionisis Kavallieratos,Brigitte Kowanz, Kalup Linzy, Calvin Marcus, Paul McCarthy & Mike Kelley, Ben Noam, Meret Oppenheim, John Rafman, Jessi Reaves, Toshio Saeki, Eva Schlegel, Jim Shaw, Andreas Slominski, Daniel Spoerri, Iiu Susiraja, Paul Thek, Karl Wirsum, Chloe Wise,

Thomas Zipp.



born 1940 in the Bronx, New York, lived and worked in Brooklyn, New York, until his death in 2017

Before Vito Acconci turned to performance, installation and video art in the 1970s, he was still primarily concerned with poetry and literature in the 1960s. He has been immortalized in the canon of art history for his seminal works, including the infamous Seedbed (1971), which Marina Abramovic re-performed in 2005. Raw, crudely executed, and powerfully direct, Acconci’s psychodramatic videos enforce an intensive dialogue between the artist and viewer, the body and the self, public and private, subject and object, absence and presence. Acconci used video as a vehicle for an intimate expression of self through the other, exploiting both the inherent immediacy and mediation of the technology.

In the 1980s, Acconci turned to sculptural works and installation pieces, including furniture, and in 1988 formed an eponymous group of architects and designers who design public buildings and projects.


lives and works in Los Angeles

Stephen Aldahl’s paintings, layered compositions using photo transfer, decals, text, and collage, do equal amounts to reveal as they do to hide. Engaging in a vocabulary of West Coast assemblage artists, the thickly constructed and multi-layered paintings reveal a well-considered fraction of the reference in use in Aldahl’s archive of imagery.


established 1995 by Joep van Lieshout, born 1963 in Ravenstein, lives and works in Rotterdam, Netherlands.

Atelier Van Lieshout (AVL) is a multidisciplinary collective in the field of contemporary art, design, and architecture. His sculptures enter into a discourse with functionality, with form and its language, questioning the position of the artist. He has a fascination for the power that objects, machines and systems wield over humanity, and the (ir)relevance of the individual in the face of this power.


born 1986 in Bangkok, lives and works in New York and Bangkok

In Arunanondchai’s practice, birth, decreation, and death are thresholds of heightened consciousness from which the artist generates his storytelling and formal inquiries. By layering the timescales of video, painting, and installation, the artist is able to recall personal experiences while probing their socio-historical contingencies. The intricate codependency of these forms ask fundamental questions regarding existence and meaning, especially when understood outside of a Western ontological framework.


Mario Ayala (b. 1991, Los Angeles, California) works primarily in painting but also in sculpture. Ayala graduated from The San Francisco Art Institute in 2014, where he received the Yale Norfolk fellowship in 2012. He was a participant at the Skowhegan School of Painting and Sculpture in 2014. Ayala, living and working in Los Angeles paints in acrylicprimarily using an airbrush creating a singular visual language in which elements contradict one another narratively and spatially. Through an inevitable Californian lense, Ayala’s paintings and sculptural installations draw inspiration from hand painted signage, tattoos, advertising, auto customization, and elements of lowrider aesthetics which he recontextualizes in response to his own brown identity and politics.Ayala lives and works in Los Angeles.


born 1965 in Gribbohm, Germany, lives and works in Berlin

John Bock is a sculptor, draftsman, action artist, filmmaker, and writer whose work readily crosses genre boundaries. He is known for developing enigmatic visual and theatrical concepts. Bock always pays special attention to language. He calls his performances “lectures.” In his films, he himself and/or actors appear. When it comes to his artworks, Bock uses everyday materials. Felt slippers, for example. Eggshells. Or socks. Many of his works seem like glimpses into a magical, anarchic, and absurd cosmos in which Bock interweaves set pieces from different fields of art and life.


born 1965 in Venice, Italy, lives and works in Berlin

Monica Bonvicini’s works challenge us to take position in the consequences of political decision-making. The black and white images of natural catastrophes and quotes of different female writers are expressing the anger about the supremacy of power and money in the capitalocene. Bonvicini is showing the strength of resistance as a feminist gesture.

Her multifaceted practice which investigates the relationship between architecture, power, gender, space, surveillance and control – is applied into works that question the meaning of making art, the ambiguity of the language, and the limits and possibilities of freedom.


born 1946 in Boston, died in 2015 in Topanga

Chris Burden studied architecture, physics, and visual art at the University of California. He completed a series of performance pieces in the 1970s that engaged his own body, often in a violent manner, as part of his conceptual art practice. The performances were in essence empirical investigations in to the “what ifs” of the world at large. Their purpose was to be accessible, immediate and public and it was critical to Burden that his “pursuit of the facts” be easily comprehensible.

His appreciation of well-engineered structures, coupled with a fascination with technology, has led to Burden’s huge sculptures like Medusa’s Head (1990), The Flying Steamroller (1996), Pizza City (1996), Small Skyscraper (2003), Ghost Ship (2005), Beehive Bunker (2006), Urban Light (2008) and Metropolis II (2011).


born 1955 in Washington, DC, lives and works in Philadelphia, PA

Charles Burns is an American cartoonist and illustrator. In 1981 he met Art Spiegelman, who could get him excited in the medium of comics. Until 1991 Burns created contributions to Spiegelman’s avant-garde comic magazine RAW. Charles Burns’ drawings show his training in American comics of the 1950s. Less focused on effects than on a dark and sinister atmosphere, his cool and smooth drawings create the elusive feeling of an artificiality and diffuse past. For his stories, Burns draws from the trove of postwar pulp comics – from hard-hitting detective and teen stories to EC borrowings, he has dabbled in many genres. In his hands, however, they don’t turn into mere collections of quotations, because he always manages to break the genre boundaries through small details.


1977 born in Lissabon, lives and works in Vienna

Hugo Canoilas uses the tradition and history of painting and object art to redefine and expand their potentials through installative and performative strategies. Along with art history, he also references sociopolitical developments and the philosophical and art-theoretical discourses it involves. The departure points are interconnected topics such as the climate crisis, environmental degradation, and the ever-widening gap between poor and rich countries. The artist ties his work in with these developments and their effects first and foremost in posthumanist schools of thought that call a rigid anthropocentric, hierarchical worldview into question and call for a careful and egalitarian human treatment of nature and its creatures.


born 1943 in Philadelphia, lives and works in France

American cartoonist Robert Crumb, who sometimes cited psychedelic drugs as the cause of his hallucinatory style, displays a nostalgia for American folk culture of the late 19th and early 20th centuries, and satire of contemporary American culture. He contributed to many of the seminal works of the underground comix movement in the 1960s, including being a founder of the first successful underground comix publication, Zap Comix. In the late 1960s and 1970s, he became best known for his comic strip Keep on Truckin’ and popular characters such as the cool cat Fritz the Cat and the spiritual guru Mr. Natural. Contributions followed in Snatch, Big Ass, Despair, Weirdo and Hup, among others. Sexual themes appeared frequently in all these projects. As his career progressed, his comic work became more autobiographical.

Crumb has been acclaimed for his attention to detail and satirical edge, but has also generated a significant amount of controversy for his vividly and very disturbing portrayals of sexuality and psychology. At the same time, Crumb is still celebrated today as a pioneer of satirical alternative comics.


born 1974 in Munich, lives and works in Berlin

With his sculptures and installations, Björn Dahlem gives a form to cosmic phenomena that lie beyond imagination. Rather than simply representing visual translations of learned expertises, he makes visible the inexplicable, the wonderful, the contradictory in the universe. And without taking scientific modes of representation and accuracy too seriously, Dahlem develops highly complex plastic structures out of everyday materials and objects trouvés that make reference to theories and models from the fields of astronomy, particle physics or quantum mechanics.


born 1979 in Athens, lives and works in New York City

Born in Greece and raised between Europe and the United States, Eagleton has long been fascinated by the concept of liminal space, or thresholds. Over the years, he has created work that operates in this in-between space, where traditionally decorative and domestic materials such as mirrors, glass, fabric, and roofing tar take on a life of their own: vanity mirrors reborn as paintings; delicate Murano-esque glass vessels turned into bongs; tchotchke beach sarongs reconfigured as framed textiles. Through his manipulation of material and social signifiers, Eagleton’s work probes the gap between inner and outer, art object and ornament, moderation and excess, as well as light and darkness, broaching broader questions regarding our own desires, naiveté, and impermanence.


born 1951 in Augsburg, lives and works in Berlin

Herbert Fritsch is an actor, director, stage designer and media artist. From 1993 to 2007 he was one of the most formative actors at the Berliner Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz under Frank Castorf. He also shows exhibitions and developed the serial, intermedial art project ‘hamlet_X from 2000.

In 2012 Herbert Fritsch staged Murmel Murmel at the Berliner Volksbühne, a ninety-minute performance with 11 actors in colorful costumes, based on the play Murmel by dada, action and object artist Dieter Roth. Self-published in 1974, this 176-page work contains only one word: “Murmel” in x variations.


Tasos Gkaintatzis (b. 1980, Thessaloniki, GR) is a photographer based in Athens. He is the co-founder of OMMU Bookstore and Publisher est.2010.

His new series of photographs are under the title Vamvakofyto. The project borrows its title from the village Vamvakofyto and it is a documentation of masks that are made for pagan events occurring in northern Greece.


born in 1952 in Thessaloniki, lives and works in Athens and Skopelos

The artist’s work explores themes of man’s existence by focusing on the human condition. While making reference to Greece in the 1950s, film, the traditions of Greek painting, and even theatrical scenery, Georgiou highlights profound feelings of alienation, solitude and humor. He paints short stories about the mythology of daily life, exposing existential moments of vulnerability and weakness, failure and emotional collapse. While human beings are the main subject of the work, they are portrayed as anonymous figures without any individual characteristics. A desolate alter ego is revealed, portrayed with irony and distance yet also with tenderness and empathy.


born 1954 in Tulln, lives and works in Vienna and the Waldviertel region in Lower Austria

Franz Graf is a multifaceted artist whose practice cannot be tied to one single medium. Even though he frequently relies on drawing, as the master of this medium, Graf does not comply with the medium’s limitations. Drawings, objects, installations, photographs, public art pieces, neo-conceptual paintings, as well as music – all provide means to express his ideas. He tends to lift the divisions between surrounding space and the work and integrate the immediate architectural environments into the artwork through interventions that incorporate everyday objects and codes. In this process, Graf creates his own universe of skillfully made drawings in ink-wash and graphite combined with photographs, monochrome black surfaces, lettering, and dark installations often tending towards the apocalyptic.


born 1982 in Vienna, lives and works in Vienna

In his work, Martin Grandits manages to perceive the aesthetics even in the everyday. A logo, a sandwich spread or a beer bench – everything can be the basis for an artistic idea – and a T-shirt is no less suitable as a carrier medium than a canvas stretched on a frame. With impressive nonchalance, Martin Grandits associates himself between Tinder and Picasso right across pop culture and art history, usually stopping where you least expect him to. His companion is always the critical eye and humor, on the one hand as a stylistic device and on the other hand as a weapon against the pathetic.

text by David Hassbach


born 1977 in Athens, lives and works in Athens

Depictions of everyday personas commonly found in social media and magazines are the starting point for Vassilis H. creative process. Humorously rendered characters face dilemmas in their need of acceptance by their contemporary societies. Emerging issues of physical and emotional abuse, narcissistic behaviors and obsessive thoughts paralyze them. Subjects of peer pressure, they value themselves through other people’s lives and opinions. A contradictive essence of beauty is presented through disfigured faces with intense features, which somehow preserve the mystery of the figures’ thoughts. They remain abstract in their intentions and desires, trying to push through their existential crisis.


born 1966 in New York, lives and works in New York

Rachel Harrison engages with art history and contemporary culture, and the role of the artist and sculpture in society, in her own flamboyant, totemic sculptures and installations. The DIY look of her works, often shown in groups in multifaceted, multimedia installations, belies their careful craftsmanship. Her sculptures appear as semi-figurative monoliths assembled from abstract forms and consumer products, including canned goods, magazines, plastic food, and wigs. Through them, Harrison questions the traditional function of figurative sculpture to memorialize and idealize, while drawing attention to the deluge of trivial, throwaway objects by which we are surrounded.


born 1982 in Los Angeles, lives and works in Los Angeles

Max Hooper Schneider’s background in landscape architecture and marine biology strongly informs his artwork. In aquariums, terrariums and vitrines he displays mutated habitats of flora and fauna tangled around neon lights. Research and scientific investigation are key to his process. He explores the relationships between philosophy and nature, the personal and the political, destruction and construction, and what he calls nonhuman and human agents. Blending his diverse areas of expertise, his idiosyncratic sculptures, installations, and drawings challenge conventional systems of classification, suggesting a worldview that aims to reevaluate the assumed central and superior position of humans in the ecosystem.


born 1979 in Athens, lives and works in Berlin

Dionisis Kavellieratos’ artistic practice includes small and large-scale sculptures in wood, clay or mixed media and drawings in pencil and charcoal. His work reveals a dazzling inner world – a personal universe of a post-pop mix of mythology, history, politics and religion – that addresses fundamental issues such as good and evil, life and death, sex, heroism and immortality through a surreal and ironic point of view. Kavellieratos’ works create a personal cosmology with poetic narratives that depict the human species in the depths and heights of its greatness, through a humorous and ironic style.


born 1954 in Wayne, Michigan, died 2012 in California / born 1945 in Salt Lake City, lives and works in California

The film Heidi, 1992 by Paul McCarthy & Mike Kelley is based on a performance of Johanna Spyri’s novella Heidi from 1880. Johanna Spyri (1827-1901) made her debut as a religious writer with a pietistic background. The total circulation of the story of the “nature child” Heidi, who grows up free and unattached in the Swiss mountains under the care of the Alm-Öhi, is 50 million, and there are 15 film adaptations to date alone. Paul McCarthy & Mike Kelly have translated this bundled result of pietistic introspection and regressive fantasies of wish fulfillment into another reality in their 60-minute art film Heidi. Both Kelly and McCarthy deal with the fascination of the supposed innocent world of childhood and turn it into a scenario of repression, violence and misunderstanding. These sexually charged actions are theatrically dramatic enactments of often taboo processes and actions such as birth and death, coitus, bestiality and masturbation, child abuse; they often refer to the patriarchal family order as a site of profound disruption. A parody of authority figures, fixed family relationships, and rigid notions of sexuality, as well as a simultaneous ironizing of “American values.”


born 1957 in Vienna, lives and works in Vienna

Brigitte Kowanz is known for creating evocative sculptures, installations and environments with a decidedly non-physical medium: light. Since the early 1980s, she has been exploring both the utilitarian and conceptual resonances of light with neon tubing. LED bulbs, aluminium, mirrors, and text. She draws upon such multidisciplinary sources as advertising, architecture, film, music, and the history of painting for inspiration. In her early works, Kowanz arranged colored lights into objects, installations, and projections to reflect upon the way light permeates space, time, and our perceptions. Later, she began incorporating language into her work – forming text from neon tubing – to highlight the ways in which language shapes our world and identities. Through her use of mirrors, Kowanz aims to break down the boundaries between art and life, drawing viewers into her illuminated visions.


born in 1977 in Stuckey, Florida, lives and works in Brooklyn, New York

In a multidisciplinary practice that includes videos, performances and music, Kalup Linzy creates satirical narratives inspired by television soap operas, telenovelas and Hollywood melodramas. Linzy consciously push the boundaries of stereotypical ideas about race, gender and sexuality, performs, most often in drag, in a series of memorable recurring roles. He manipulates the voices and overrides the dialogues of several characters. The artist serves as writer, director, cinematographer, editor, and actor. At once comic, raunchy and poignant, Linzy’s unique narrative videos fuse dramatic intensity with melodramatic irony.

Linzy’s low-tech narratives embody a DIY sensibility; he has released his short videos episodically on YouTube.


born 1988 in San Francisco, lives and works in Los Angeles

Large areas of color, haunting twists and missing parts, it is dreamlike visions and snapshots of the absurdity of contemporary life that make up Calvin Marcus compositions. Animals, humanoid figures, interiors and landscape-like spaces, through carefully directed formal decisions each image attempts to achieve complete autonomy within its edges. Scale is twisted and ruthlessly employed, the banal turned into greatness. Reduced to the essential, they develop a surreal humor and evoke an idiosyncratic as well as disarming sentimentality.


Ben Wolf Noam was born in Cambridge, MA, and received a B.F.A. from Rhode Island School of Design. Working in many disciplines, his practice combines painting, ceramics, and installation. With a strong emphasis on drawing, Noam’s work weaves hyper-subjective story-tellling together with the more universal language of artistic traditions. Often rooted in memory and his own experiences and relationships, Noam builds complex narratives through a free associative process drawing on principles of psychoanalysis. Keeping one foot deep in art history, he explores his own relationship to the Western canon while the other foot pushes forward, dedicated to the discovery of new techniques that combine digital tools and analog applications.


born 1913 in Berlin-Charlottenburg, died 1985

Oppenheims drawings, a crucial means of expression for her, can be traced from her early pencil drawings and watercolors in her youth to the later magnificent gouaches dating from 1985, the year she died. One central period was the 1930s, a time in which the ready availability of the inexpensive medium played an important role, enabling the artist to use the (ink) drawing to jot down her ideas. After the war, and in the 1960s and 1970s in particular, she created more crayon and pastel drawings.

Meret Oppenheims works, in which the artist employs a reduced, often sparse pictorial repertory, confirm that immediacy is more crucial for the quality of a drawing than virtuosity. Such qualities of the drawing were certainly highly congenial with the artists artistic approach, with its characteristic openness, directness and intuition. Nature, i.e., transformational vital processes, the elementary forces and polarities (also of the sexes) as well as the temporal and cosmic integration are central themes of the artists work. What prevails are an abstract linear drawing style, in which the figures and things are captured in a few, reduced contours. What is represented is seldom narrative and its theme can hardly be clearly identified. Even the titles can be a bit enigmatic. Grotesque and even poetical titles can evoke associations or be provocative given their seeming arbitrariness. Many drawings show an affinity to the works of surrealist artists. In keeping with Bretons literary technique, the so-called écriture automatique, they try to tap the possibilities of psychic automatism in the work with images. Even Meret Oppenheim was able to discover unknown pictorial forms in which unconscious contents can emerge in experiences taking place in the liminal realm between a waken and a dream state or in the process of drawing.


born 1981 in Montreal, lives and works in Los Angeles. 

Jon Rafman’s work explores the emotional, social and existential impact of technology on contemporary life. He is widely known for exhibiting found images from Google Street View in his series The Nine Eyes of Google Street View (2008-ongoing).

Rafman’s work brings to the fore the relationship between technology and human experience. Concerned with the tension between the algorithm’s indifference and the human search for meaning, much of his work focuses on melancholy in modern social interactions, accreted communities, and virtual realities. His videos and art utilize the fleeting ephemera of online culture to suggest the interrelations of mass society and niche online communities.

Egregore, etymologically originating in the Greek word for ‘wakeful,’ refers to the development of a shared abstract ideological or cultural identity which in turn influences the individuals or group that gave rise to it. Rafman’s Egregore video triptych is an experiment in distilling, revitalizing, and reenchanting abject material to unfurl the hidden meanings of Internet detritus. Rafman’s curated selection of uncanny imagery articulates a throughline or coherent spiritual trajectory in the otherwise chaotic online media landscape. The opposite of a formulation, Egregore brings to life found images to reveal the collective unconscious of the web.


born1986in Portland, lives and works in New York

Building on her training as an upholsterer, Jessi Reaves’s earlier works – janky lamps, monstrous, intestinal ottomans, bricolage bastardizations of iconic modernist tables and chairs – sit somewhere in the crux between art and design. They could be used, but a niggling question lingers: who would use them? The objects conjure up visions of the den of a design-conscious castaway, or the mood board of an interior decorator looking to kit out bunkers in a nuclear winter. Other works take a slightly different tack. While furniture, as both an idea and a raw material, is still decidedly in the mix, these sculptures are mostly void of use; they are more ‘about’ design than they are design itself. Any equation between functionality and rationality is dislodged through a heavy dose of the abject and excessive.


Born 1945 in Japan, died 2019 in Japan

Artist and illustrator Toshio Saeki became known for his surreal highly sexualized figurative silkscreens. At art school, he studied Western art, rather than Japanese, finding the latter too often dictated by rules, tradition, and convention. In the 1970s, with unbridled explorations of violence, death, and sex in his works, Saeki captured the post-war spirit of cultural rebellion and social reinvention. He saw his erotica as a subconscious expression of a culture in transition. He was influenced, he says, by a book by French illustrator and writer Tom Ungerer. His paintings are primarily guided by visions, dreams, and memories, but draw on the Japanese tradition of erotic and mythological painting as well as contemporary sources such as comic books


born 1960 in Hall, Austria, lives and works in Vienna

Eva Schlegel is one of Austria’s most successful contemporary artists. She is mainly working with photography and permanent installations in public spaces. Recurrent subjects are texts and poetry, found photographic material, portraits of women, as well as the fascination of flying and the skies. With her photographs artist Eva Schlegel has created abstract spaces. Printed on handmade paper (Hahnemühle) the photographs all seem to be floating in their frame, which seems to reinforce their markedly blurry appearance. The form remains with a new content, and in this disrupted legibility the images lose their close-to-life concreteness but this way they also develop a strangely unreal presence. The abstract, almost white spaces that lead the gaze to the back with the deliberate blurredness seem to create a special space. The simulated space thus becomes not only softer but also larger.


b. 1952, Midland, Michigan, lives and works in Los Angeles

The practice of American artist Jim Shaw spans a wide range of artistic media and visual imagery. Since the 1970s, Shaw has mined the detritus of American culture, finding inspiration for his artworks in comic books, pulp novels, rock albums, protest posters, thrift store paintings and advertisements. At the same time, Shaw has consistently turned to his own life and, in particular, his unconscious, as a source of artistic creativity. Providing a blend of the personal, the commonplace and the uncanny, Shaw’s works frequently place in dialogue images of friends and family members with world events, pop culture and alternate realities. The works contains systems of cross-references and repetitions often unfolding in long-term, narrative cycles.

Shaw’s ongoing project, Oism, is an attempt to create a functioning religion with its own history, totems and traditions. Since the 1990s, he has been doing extensive research on the history of American religious practice.


born 1959 in Meppen, Germany, lives and works in Berlin and Hamburg

During the early 1990s, Andreas Slominski mainly created sculptures in smaller dimensions, while in more recent years he has shifted towards larger-scale installations. Since his beginnings, Slominski unfailingly sought a direct dialogue with the viewer, probing ideas about art and its reception. His so-called ‘traps’ are absurd-looking baits, inspired by the sculptural qualities he observed in a vole trap and positioned somewhere between sculpture and functional object. They can be interpreted as comments on the deceptive, as well as the seductive, effects of art. 

Slominski’s cunning traps only form one of many components in his ironic universe, which also includes bicycles, windmills, found objects and non-traditional materials. In the legacy of Marcel Duchamp’s readymades, he transforms these everyday objects through their inclusion in an art context, highlighting the ways in which perception and expectation condition how we see them. In 2006, he introduced paint and classical reliefs into his practice and, in keeping with his satirical approach, the fine marble usually associated with these forms is replaced with cheap polystyrene, while traditional painterly subjects are exchanged for kitschy motifs and color schemes.


born 1930 in Galati, Rumänien, lives and works in Vienna, Austria

In 1959 Daniel Spoerri invented the “Tableaux-piège“ or “trap picture” by gluing all of the things that happened to be on a table and then hanging these three-dimensional still-lives on the wall.

Kai Schupke has described Daniel Spoerri’s work as follows: “Spoerri collects old things on garbage dumps and flea markets. By collecting unused things that have been marginalized, repressed, discarded by society, objects that have fallen out of their cycle of service, no longer have a place in the order of things he draws attention to the system of culture with its mechanisms of devaluation and exclusion. You have to make reality be seen. Not its sweet-chocolate side, but the clutter, the rubbish, the eaten-off table.”

Daniel Spoerri uses the trap-picture principle in various contexts. In a piece titled “Artists’ pallets” he fixates the working tables of befriended artists or glues the contents of drawers with everything he finds in them. Looking back, Spoerri refers to this as “test drillings’. He is always interested in showing a bit of reality. Flea market stands are also part of this.

In his series of flea market – trap pictures, the object artist who once described himself as a “henchman of chance” is taking up his ideas from 1966 again. He has singled out flea market stands where at the end of the day only a few objects remained which no one wanted to by. And this is how the series “What Remains” emerged.


born in 1975 in Turku, lives and works in Finland

Iiu Susiraja works primarily in photographic and video-based self-portraiture. She evolves dramatic domestic situations involving femininity, the body, traditions, social stereotypes and love By turning the camera onto herself, she documents freedom of self expression and the freedom of turning the privacy and intimacy of one’s home into public domain. Her self-portraits are layered, strategized, and downright funny.


born 1933 in Brooklyn, died 1988 in New York City.

A sculptor, painter, and one of the first artists to create environments or installations, Paul Thek combined elements of art history, existential anxiety, and contemporary culture into art that posed both formal and conceptual questions. In 1964, Thek came to recognition when he began a series of ‘Meat Pieces’: imitations of lumps of flesh in colored wax, presented like jewels in beautifully colored acrylic boxes. At the end of the sixties, Thek left for Europe, where he created extraordinary environments, incorporating elements from art, literature, theater, and religion, often employing fragile and ephemeral substances, including wax and latex. At the end of the seventies, Thek moved back to New York, and turned to the making of small, sketch-like paintings on canvas, although he continued to create environments in key international exhibitions. With his frequent use of highly perishable materials, Thek accepted the ephemeral nature of his art works.


born 1939 in Chicago, USA, died 2021 in Chicago, USA

Karl Wirsum was raised on the South Side of Chicago and even as a child was drawn to rhythm and blues music and the Maxwell Street Market, an open-air flea market. Inspired by his visual and sonic experiences and memories, drawing poured out of Wirsum in much the same way as sound does from an improvising musician. Wirsum’s iconic style involves a process of free association and can be recognized for its flatness of form, dynamic lines, bold coloration, and refrain from painterly expression. His sources of inspiration also included Mesoamerican art and artifacts, as well as graphic comic book illustrations. Through his friendship with Don Baum, exhibition director of the Hyde Park Art Center, Wirsum became part of the Hairy Who, a group that began mounting unconventional displays of bright, bold graphic work in the mid-1960s, changing Chicago’s art landscape.


born 1990 in Montreal, Canada, lives and works in New York, USA

Chloe Wise’s practice spans diverse media, including painting, sculpture, video and installation. Foregrounding an interest in the history of portraiture, Wise examines the multiple channels that lead to the construction of a Self, paying particular attention to the interweaving of consumption and image making. With a wry sense of humour, she nods to canonical tableaux, like Manet’s Déjeuner Sur L’Herbe, exploring the shared projected desires built around food and the female body. Meticulously hand painted casts of food serve as the base for the artist’s sculptural practice where strange assemblies, now frozen in sculpted plastic, toy with the presence and absence of unchangeability and perishability, fiction and reality. Advertising, fashion, taboo, multi-national brands – Wise looks to the consumptive habits built around these structures with parody and derision, underlying how the body is framed and becomes excessive in its manipulation of these sites.


born 1966 in Heppenheim, Germany, lives and works in Berlin, Germany

Thomas Zipp studied at the Städelschule in Frankfurt, Germany and the Slade School in London England. Zipp works with various media, including collage and assemblage; he is also active as a painter, drawer, photographer, musician, and, primarily, as the creator of large installations in which he focuses on the overall effect of all instruments and objects used in a given space. Performances play an important role in his work. They are often performed by amateurs or students provided only with brief information about the possible course of events. Most of the time, the artist deals with the notions of the past, history and memory, deriving his topics from every areas of life – such as religion, history, psychoanalysis, Heavy Metal, David Bowie – and expressing the output in a form of evocative installations, environments and pastiches.


Curated by_Vienna 2021: Krinzinger Schottenfeld

On the level or the man who fell out of bed, curated by artist Jannis Varelas.

Curatorial statement:

In dieser Ausstellung geht es um Wahrnehmung, Transformation und Missverständnisse. Ich glaube das sind die Kernelemente des diesjährigen Themas von curated by, Comedy. In meiner Ausstellung „On the level or the man who fell out of bed“ geht es um das umgekehrte Verständnis von Sprache als einen Prozess, der damit beginnt, dass man die Laute und Bilder der Wörter kennt, aber nicht in der Lage ist, ihre Bedeutung zu verstehen, ein bisschen wie bei mir und der deutschen Sprache.

Das wäre eine ideale Situation, wie Roland Barthes es in seinen Éléments de sémiologie formuliert hat, eine Möglichkeit, in die magische Welt des Unverständlichen einzutauchen, als sähe man etwas zum ersten Mal.

In diesem Zusammenhang und unter einem bestimmten Gesichtspunkt kann alles so flüchtig wie möglich wahrgenommen werden und alles Mögliche kann zu Projektionen eines Selbst werden: die karnevaleske Essenz des Lebens in all seiner Pracht, der Mensch nach Belieben. Andererseits könnte man, in Anlehnung an das ovidsche Konzept der Metamorphosen, argumentieren, dass das, was wir als das sehen, was es ist, das ist, was es geworden ist, eine Transformation, die dem Vorhandenem entsprechend seiner Vergangenheit Form und Bedeutung gibt. Mit anderen Worten, die Tragikomödie des Lebens und das urkomische Drama des Missverständnisses, was man tun soll, um zu erreichen, was man will.


Jannis Varelas geboren 1977 in Griechenland, lebt und arbeitet in Athen, Wien und Los Angeles. Studium am Royal College of Art London. Ausstellungen, u.a. Anima, Benakis Museum, Athen 2019, A Duck and a Crutch, Galerie Krinzinger, Wien 2016. Kuratorische Projekte, u.a. Galerie Utopia, Palais De Tokyo, Paris 2012.

Auswahl Einzelausstellungen: “Double-Blind”, The Breeder Gallery, Athens (2021); “The Island”, Galerie Forsblom, Helsinki (2020); “Jannis Varelas – Tennis Elbow”, The Journal Gallery, New York (2019); “Anima I”, curated by Polina Kosmadaki and Yorgos Tzirtzilakis, The Benaki Museum, Athens (2019); “Our House”, Galerie Forsblom, Stockholm (2018); “Monster”, Onassis Cultural Center, Athens (2017); “A Duck and a Crutch”, Galerie Krinzinger, Vienna (2016); “Sleep My Little Sheep Sleep”, Contemporary Arts Center of Cincinnati (2012); “Brown Box and the Broken Theater”, Galerie Krinzinger, Vienna (2012). 

Auswahl Gruppenausstellungen: “Distorted Portraits”, Space K Seoul, South Korea (2020); “Ametria”, DESTE Foundation/ Benaki Museum, Athens (2015); “Paper works from the Saatchi Collection”, Saatchi Gallery, London, (2013); “Hell As Pavilion”, Palais de Tokyo, Paris (2013); “Skin Fruit: Selections from The Dakis Joannou Collection”, New Museum, New York (2010); “Lebt und arbeitet in Wien III: Stars in a Plastic Bag”, Kunsthalle Wien, Wien (2010); New Orleans Biennial Prospect 1, New Orleans (2008); “Destroy Athens”, 1st Athens Biennial, Athens (2007).

Kuratorische Projekte : “Build Your Own House“, Dyo Choria Gallery, Greece 2017, “Galerie Utopia”, Palais de Tokyo, Paris (2012).

KünstlerInnen :

Vito Acconci, Stephen Aldahl, Korakrit Arunanondchai, Atelier Van Lieshout, Mario Ayala, John Bock, Monica Bonvicini, Chris Burden, Charles Burns, Hugo Canoilas, Robert Crumb, Björn Dahlem, Alex Eagleton, Herbert Fritsch, Apostolos Georgiou, Tasos Gkaintatzis, Franz Graf, Martin Grandits, Vassilis H., Rachel Harrison, Max Hooper Schneider, Dionisis Kavallieratos, Brigitte Kowanz, Kalup Linzy, Calvin Marcus, Paul McCarthy & Mike Kelley, Ben Noam, Meret Oppenheim, John Rafman, Jessi Reaves, Toshio Saeki, Eva Schlegel, Jim Shaw, Andreas Slominski, Daniel Spoerri, Iiu Susiraja, Paul Thek, Karl Wirsum, Chloe Wise, Thomas Zipp.



geboren 1949 in der Bronx, New York, lebte und arbeitete bis zu seinem Tod 2017 in Brooklyn

Bevor sich Vito Acconci in den 1970er-Jahren der Performance-, Installations- und Videokunst zuwendet, beschäftigt er sich in den 1960er-Jahren noch vor allem mit Poesie und Literatur. Mit seinen wegweisenden Werken wie Seedbed (1971), das Marina Abramovic 2005 erneut aufführte, hat er sich im Kanon der Kunstgeschichte verewigt. Acconcis psychodramatischen Videos sind roh, grob ausgeführt und kraftvoll direkt. Sie erzwingen einen intensiven Dialog zwischen Künstler und Betrachter, Körper und Selbst, öffentlich und privat, Subjekt und Objekt, Abwesenheit und Präsenz. Acconci nutzte das Video als Vehikel für einen intimen Ausdruck des Selbst, wobei er sowohl die inhärente Unmittelbarkeit als auch die Vermittlung der Technologie ausnutzte.

In den 1980er Jahren wandte sich Acconci bildhauerischen Arbeiten und Installationen zu, darunter auch Möbeln. 1988 gründete er eine gleichnamige Gruppe von Architekten und Designern, die öffentliche Gebäude und Projekte entwerfen.


lebt und arbeitet in Los Angeles

Stephen Aldahls Malereien sind mehrschichtige Kompositionen aus Fototransfer, Abziehbildern, Text und Collage. Sie enthüllen und verbergen gleichermaßen. Bezugnehmend auf ein Vokabular der Assenblage-Künstler der Westküste, setzt Aldahl seine dicht konstruierten und vielschichtigen Gemälde aus wohl selektierten Referenzen aus seinem persönlichen Bildarchiv zusammen.


gegründet 1995 von Joep van Lieshout, geboren 1963 in Ravenstein, lebt und arbeitet in Rotterdam

Atelier Van Lieshout (AVL) ist ein multidisziplinäres Kollektiv auf dem Gebiet der zeitgenössischen Kunst, des Designs und der Architektur. Seine Skulpturen treten in einen Diskurs mit der Funktionalität, mit der Form und ihrer Sprache und stellen die Position des Künstlers in Frage. Er ist fasziniert von der Macht, die Objekte, Maschinen und Systeme über den Menschen ausüben, und von der (Un-)Relevanz des Individuums angesichts dieser Macht.


geboren 1986 in Bangkok, lebt und arbeitet in New York und Bangkok

Gleichermaßen beeinflusst von einer von der thailändischen Popkultur umgebenden Jugendzeit und einer künstlerischen Ausbildung und Karriere in den USA reflektiert Korakrit Arunanondchai die Beziehung von Spiritualität, Technologie und zeitgenössischer Kunst. Persönliche Erinnerungen, obskure historische Ereignisse und buddhistische Rituale gehören zu seinen zahlreichen Einflüssen. Er kombiniert Film, Performance, Malerei und skulpturale Objekte zu oft opulenten Installationen, die eine Reihe von Konzepten erforschen, einschließlich der Geschichte der Menschheit, der Selbstdarstellung und der thailändischen Tradition des Animismus.


geboren 1991 in Los Angeles, lebt und arbeitet in Los Angeles.

Der aus Los Angeles stammende Mario Ayala malt in Acryl mit einer Airbrush-Technik und entwickelte eine Bildsprache, in der sich Elemente narrativ und räumlich widersprechen. Die kalifornische Umgangssprache zitierend, nimmt er in seinen Malereien und skulpturalen Installationen Anleihen an der Ästhetik handgemalter Schilder, der Werbung, der Autoveredelung sowie der Lowrider-Kultur, die er neu kontextualisiert. Er schöpft auch aus der Popkultur, mit einem besonderen Augenmerk auf Medien, die mit der Darstellung der Latinx-Identität in Verbindung gebracht werden, insbesondere die ikonischen Cover-Illustrationen.


geboren 1965 in Gribbohm, Deutschland, lebt und arbeitet in Berlin.

John Bock ist Bildhauer, Zeichner, Aktionskünstler, Filmemacher und Autor und überschreitet in seinem Werk gerne die Grenzen der einzelnen Gattungen. Er ist für die Entwicklung rätselhafter visueller und theatraler Konzepte bekannt. Ein besonderes Augenmerk legt Bock dabei stets auf die Sprache. Seine Performances nennt er “Vorträge”. In seinen Filmen treten er selbst und/oder Schauspieler auf. Geht es um seine Kunstwerke, verwendet Bock alltägliche Materialen. Filzpantoffeln zum Beispiel. Eierschalen. Oder Socken. Viele seiner Arbeiten erscheinen wie Einblicke in einen magischen, anarchischen und absurden Kosmos, in dem Bock Versatzstücke aus unterschiedlichen Kunst- und Lebensfeldern ineinander verwebt.


geboren 1965 in Venedig, lebt und arbeitet in Berlin

Monica Bonvicinis Arbeiten fordern uns auf, zu den Folgen politischer Entscheidungen Stellung zu beziehen. Die Schwarz-Weiß-Bilder von Naturkatastrophen und Zitate verschiedener Schriftstellerinnen bringen die Wut über die Vorherrschaft von Macht und Geld im Kapitalismus zum Ausdruck. Bonvicini zeigt die Kraft des Widerstands als feministische Geste.

Ihre vielschichtige Praxis, die die Beziehung zwischen Architektur, Macht, Geschlecht, Raum, Überwachung und Kontrolle untersucht, wird in Werken umgesetzt, die die Bedeutung des Kunstmachens, die Mehrdeutigkeit der Sprache und die Grenzen und Möglichkeiten der Freiheit hinterfragen.


geboren 1946 in Boston, 2015 gestorben in Topanga

Chris Burden studierte Architektur, Physik und bildende Kunst an der University of California. In den 1970er Jahren vollendete er eine Reihe von Performance-Stücken, in denen er seinen eigenen Körper – oft auf gewalttätige Weise – als Teil seiner konzeptuellen Kunstpraxis einsetzte. Bei den Performances handelte es sich im Wesentlichen um empirische Untersuchungen der “Was-wäre-wenn”-Situation in der Welt im Allgemeinen. Sie sollten zugänglich, unmittelbar und öffentlich sein, und es war Burden wichtig, dass seine “Suche nach den Fakten” leicht verständlich war. Seine Wertschätzung für ausgereifte Strukturen, gepaart mit einer Faszination für Technologie, hat zu Burdens riesigen Skulpturen wie Medusa’s Head (1990), The Flying Steamroller (1996), Pizza City (1996), Small Skyscraper (2003), Ghost Ship (2005), Beehive Bunker (2006), Urban Light (2008) und Metropolis II (2011) geführt.


geboren 1955 in Washington, lebt und arbeitet in Philadelphia

Charles Burns ist ein amerikanischer Karikaturist und Illustrator. 1981 lernte er Art Spiegelman kennen, der ihn für das Medium Comics begeistern konnte. Bis zum Jahr 1991 schuf Burns Beiträge zu Spiegelmans avantgardistischem Comicmagazin RAW. Charles Burns’ Zeichnungen sieht man die Schulung an amerikanischen Comics der 1950er an. Weniger auf Effekte ausgerichtet als auf eine düstere und unheimliche Atmosphäre, schaffen seine kühlen und glatten Zeichnungen das schwer greifbare Gefühl einer Künstlichkeit und diffusen Vergangenheit. Für seine Geschichten bedient sich Burns aus dem Fundus der Nachkriegspulpcomics – von knallharten Detective- und Teenagerstories bis zu EC-Anleihen hat er sich bereits an vielen Genres versucht. In seinen Händen geraten diese aber nicht zu reinen Zitatensammlungen, denn immer wieder schafft er es, durch kleine Details die Genregrenzen zu sprengen.


geboren 1977 in Lissabon, lebt und arbeitet in Wien

Hugo Canoilas nutzt die Tradition und Geschichte der Malerei und Objektkunst, um deren Potenziale durch installative und performative Strategien neu zu definieren und zu erweitern. Neben der Kunstgeschichte bezieht er sich dabei auch auf gesellschaftspolitische Entwicklungen und die damit verbundenen philosophischen und kunsttheoretischen Diskurse. Ausgangspunkt sind miteinander verknüpfte Themen wie die Klimakrise, die Umweltzerstörung und die sich immer weiter öffnende Schere zwischen armen und reichen Ländern. Der Künstler knüpft mit seiner Arbeit an diese Entwicklungen und deren Auswirkungen vor allem an posthumanistische Denkschulen an, die ein starres anthropozentrisches, hierarchisches Weltbild in Frage stellen und einen achtsamen und egalitären Umgang des Menschen mit der Natur und ihren Lebewesen fordern.


geboren 1943 in Philadelphia, lebt und arbeitet in Frankreich

Der amerikanische Cartoonist Robert Crumb, der manchmal psychedelische Drogen als Ursache seines halluzinatorischen Stils bezeichnet, zeigt in seinem Werk eine Nostalgie für die amerikanische Volkskultur des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts und eine Satire auf die zeitgenössische amerikanische Kultur. Crumb hat zu vielen der bahnbrechenden Werke der Underground-Comix-Bewegung in den 1960er Jahren beigetragen, unter anderem war er Mitbegründer der ersten erfolgreichen Underground-Comix-Publikation Zap Comix. In den späten 1960ern und 1970ern wurde er vor allem für seinen Comicstrip Keep on Truckin’ und populäre Figuren wie den coolen Kater Fritz the Cat und den spirituellen Guru Mr. Natural bekannt. Es folgten Beiträge u.a. in Snatch, Big Ass, Despair, Weirdo und Hup. Sexuelle Themen kamen in all diesen Projekten häufig vor. Im Laufe seiner Karriere wurden seine Comics immer autobiografischer.

Crumb wurde für seine Liebe zum Detail und seine satirische Schärfe gelobt, hat aber auch wegen seiner anschaulichen und oft verstörenden Darstellungen von Sexualität und Psychologie für erhebliche Kontroversen gesorgt. Gleichzeitig wird Crumb bis heute als Wegbereiter des satirischen Alternativcomics gefeiert.


geboren1974 in München, lebt und arbeitet in Berlin

Mit seinen Skulpturen und Installationen gibt Björn Dahlem kosmischen Phänomenen, die jenseits der Vorstellungskraft liegen, eine Form. Er stellt nicht einfach visuelle Übersetzungen gelernter Fachkenntnisse dar, sondern macht das Unerklärliche, das Wunderbare, das Widersprüchliche im Universum sichtbar. Und ohne wissenschaftliche Darstellungsweisen und Genauigkeit allzu ernst zu nehmen, entwickelt Dahlem aus alltäglichen Materialien und Fundstücken hochkomplexe plastische Strukturen, die auf Theorien und Modelle aus den Bereichen Astronomie, Teilchenphysik oder Quantenmechanik verweisen.


geboren 1979 in Athens, lebt und arbeitet in New York

Der in Griechenland geborene und zwischen Europa und den Vereinigten Staaten aufgewachsene Eagleton ist seit langem vom Konzept des Grenzraums oder der Schwelle fasziniert. Seine Arbeiten bewegen sich in diesem Zwischenraum, in dem traditionell dekorative und häusliche Materialien wie Spiegel, Glas, Stoff und Dachpappe ein Eigenleben führen: Kosmetikspiegel, die als Gemälde wiedergeboren werden, zarte Glasgefäße im Murano-Stil, die zu Wasserpfeifen umfunktioniert werden, Strandtücher, die zu gerahmten Textilien umfunktioniert werden. Durch seine Manipulation von materiellen und sozialen Signifikanten lotet Eagletons Arbeit die Kluft zwischen Innen und Außen, Kunstobjekt und Ornament, Mäßigung und Exzess sowie Licht und Dunkelheit aus und wirft Fragen zu unseren eigenen Wünschen, unserer Naivität und Vergänglichkeit auf.


geboren 1951 in Augsburg, lebt und arbeitet in Berlin

Herbert Fritsch ist Schauspieler, Regisseur, Bühnenbildner und Medienkünstler. Von 1993 bis 2007 gehörte er zu den prägendsten Akteuren der Berliner Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz unter Frank Castorf. Darüber hinaus zeigt er Ausstellungen und entwickelt ab dem Jahr 2000 das serielle, intermediale Kunstprojekt hamlet_X.

2012 inszeniert Herbert Fritsch an der Berliner Volksbühne Murmel Murmel, eine neunzig Minuten währende Vorstellung mit 11 Schauspielern in bunten Kostümen, basierend auf dem Stück Murmel des Dada-, Aktions- und Objektkünstlers Dieter Roth. 1974 im Eigenverlag herausgebracht, enthält dieses 176 Seiten lange Werk nur ein Wort: „Murmel“ in x Varianten.


Diese Fotoserie mit dem Titel Vamvakofyto ist eine Vorschau auf das neue und laufende Projekt von Tasos Gkaintatzis. Der Titel des Projekts ist dem Dorf Vamvakofyto entlehnt und es handelt sich um eine Dokumentation heidnischer Bräuche in Nordgriechenland.

geboren 1952 in Thessaloniki, lebt und arbeitet in Athen und Skopelos

Das Werk des Künstlers erforscht Themen der menschlichen Existenz, indem es sich auf die conditio humana konzentriert. Georgiou bezieht sich auf das Griechenland der 1950er Jahre, den Film, die Traditionen der griechischen Malerei und sogar auf Theaterszenen, wobei er tiefe Gefühle von Entfremdung, Einsamkeit und Humor hervorhebt. Er malt kurze Geschichten über die Mythologie des täglichen Lebens, in denen er existenzielle Momente der Verletzlichkeit und Schwäche, des Scheiterns und des emotionalen Zusammenbruchs aufzeigt. Der Mensch ist zwar das Hauptthema des Werks, wird aber als anonyme Figur ohne individuelle Merkmale dargestellt. Es zeigt sich ein trostloses Alter Ego, das mit Ironie und Distanz, aber auch mit Zärtlichkeit und Empathie dargestellt wird.


geboren 1954 in Tulln, lebt und arbeitet in Wien und im Waldviertel

Franz Graf ist ein vielseitiger Künstler, dessen Praxis sich nicht auf ein einziges Medium beschränken lässt. Auch wenn er sich häufig auf die Zeichnung stützt, hält sich Graf als Meister dieses Mediums nicht an dessen Grenzen. Zeichnungen, Objekte, Installationen, Fotografien, Kunstwerke im öffentlichen Raum, neokonzeptionelle Gemälde sowie Musik – sie alle sind Mittel, um seine Ideen auszudrücken. Er tendiert dazu, die Trennung zwischen dem umgebenden Raum und dem Werk aufzuheben und die unmittelbare architektonische Umgebung durch Interventionen, die alltägliche Objekte und Codes einbeziehen, in das Kunstwerk zu integrieren. In diesem Prozess erschafft Graf sein eigenes Universum aus gekonnt angefertigten Zeichnungen in Tusche und Graphit, kombiniert mit Fotografien, monochromen schwarzen Flächen, Schriftzügen und dunklen, oft ins Apokalyptische tendierenden Installationen.


geboren 1982 in Wien, lebt und arbeitet in Wien

Martin Grandits schafft es in seinem Werk die Ästhetik auch im Alltäglichen wahrzunehmen. Ein Logo, ein Brotaufstrich oder eine Bierbank – alles kann Grundlage für eine künstlerische Idee sein – und ein T-Shirt ist dabei als Trägermedium nicht weniger geeignet als eine auf Keilrahmen gespannte Leinwand. Mit beeindruckender Nonchalance assoziiert sich Martin Grandits zwischen Tinder und Picasso quer durch die Popkultur und Kunstgeschichte und macht meistens dort Halt, wo man es am wenigsten von ihm erwartet. Sein Weggefährte ist dabei stets der kritische Blick und immer auch der Humor, einerseits als Stilmittel und andererseits als Waffe gegen das Pathetische.


geboren 1977 in Athen, lebt und arbeitet in Athen

Darstellungen alltäglicher Persönlichkeiten, die in sozialen Medien und Zeitschriften zu finden sind, sind Ausgangspunkt für Vassilis H. kreativen Prozess. Seine humorvoll dargestellten Charaktere stehen vor dem Dilemma, dass sie von der heutigen Gesellschaft akzeptiert werden müssen. Aufkommende Probleme wie körperlicher und emotionaler Missbrauch, narzisstische Verhaltensweisen und obsessive Gedanken lähmen sie. Sie sind dem Gruppenzwang unterworfen und bewerten sich selbst durch das Leben und die Meinung anderer. Eine widersprüchliche Essenz der Schönheit wird durch entstellte Gesichter mit intensiven Zügen dargestellt, die irgendwie das Geheimnis der Gedanken der Figuren bewahren. Sie bleiben in ihren Absichten und Wünschen abstrakt und versuchen, ihre existenzielle Krise zu überwinden.


geboren 1966 in New York, lebt und arbeitet in New York

Rachel Harrison setzt sich in ihren extravaganten, totemhaften Skulpturen und Installationen mit der Kunstgeschichte und der zeitgenössischen Kultur sowie mit der Rolle des Künstlers und der Skulptur in der Gesellschaft auseinander. Der DIY-Look ihrer Werke, die oft in Gruppen in vielschichtigen, multimedialen Installationen gezeigt werden, täuscht über ihre sorgfältige handwerkliche Ausführung hinweg. Ihre Skulpturen erscheinen als halbfigürliche Monolithen, die aus abstrakten Formen und Konsumgütern wie Konserven, Zeitschriften, Plastiknahrung und Perücken zusammengesetzt sind. Damit stellt Harrison die traditionelle Funktion der figurativen Skulptur in Frage, die darin besteht, ein Denkmal zu setzen und zu idealisieren, und macht gleichzeitig auf die Flut trivialer Wegwerfobjekte aufmerksam, von denen wir umgeben sind.


geboren 1982 in Los Angeles, lebt und arbeitet in Los Angeles

Max Hooper Schneiders Ausbildung in Landschaftsarchitektur und Meeresbiologie fließt stark in seine Kunst ein. In Aquarien, Terrarien und Vitrinen präsentiert er mutierte Lebensräume von Flora und Fauna in Neonlichtern. Forschung und wissenschaftliche Untersuchung sind der Schlüssel zu seinem Prozess. Er erforscht die Beziehungen zwischen Philosophie und Natur, dem Persönlichen und dem Politischen, der Zerstörung und dem Aufbau sowie dem, was er als nichtmenschliche und menschliche Akteure bezeichnet. Seine eigenwilligen oft großformatige Skulpturen, Installationen und Zeichnungen stellen konventionelle Klassifizierungssysteme in Frage und legen eine Weltsicht nahe, die darauf abzielt, die vermeintlich zentrale und überlegene Position des Menschen im Ökosystem neu zu bewerten.


geboren 1979 in Athen, lebt und arbeitet in Berlin

Das künstlerische Schaffen von Dionisis Kavellieratos umfasst kleine und große Skulpturen aus Holz, Ton oder Mischtechniken sowie Zeichnungen mit Bleistift und Holzkohle. Sein Werk offenbart eine schillernde innere Welt – ein persönliches Universum aus einer Post-Pop-Mischung aus Mythologie, Geschichte, Politik und Religion – die grundlegende Fragen wie Gut und Böse, Leben und Tod, Sex, Heldentum und Unsterblichkeit mit einem surrealen und ironischen Blickwinkel behandelt. Kavellieratos’ Arbeiten schaffen eine persönliche Kosmologie mit poetischen Erzählungen, die die Einzigartigkeit der menschlichen Spezies mit ihren Höhen und Tiefen in einem humorvollen und ironischen Stil darstellen.


geboren 1954 in Wayne, Michigan, gestorben 2012 in Kalifornien / geboren 1945 in Salt Lake City, lebt und arbeitet in Kalifornien

Der Film Heidi, 1992 von Paul McCarthy & Mike Kelley basiert auf eine Performance in Anlehnung an Johanna Spyri´s Novelle Heidi von 1880. Johanna Spyri (1827-1901) debütierte als religiöse Schriftstellerin mit pietistischem Hintergrund. Die Gesamtauflage der Geschichte vom “Naturkind” Heidi, das in den Schweizer Bergen unter der Obhut des Alm-Öhi frei und ungebunden aufwächst, liegt bei 50 Millionen, es existieren allein bis jetzt 15 Verfilmungen. Dieses gebündelte Ergebnis pietistischer Introspektion und regressiver Wunscherfüllungsphantasien haben Paul McCarthy & Mike Kelly in ihrem 60 Minuten langem Kunstfilm Heidi in eine anderen Realität übersetzt. Beide, Kelly und McCarthy behandeln die Faszination der vermeintlichen unschuldigen Welt der Kindheit und drehen diese in ein Szenarium der Repression, Gewalt und des Missverstehens um. Diese sexuell aufgeladenen Aktionen sind theatralisch-drastische Inszenierungen von oftmals tabuisierten Vorgängen und Handlungen wie Geburt und Tod, Koitus, Sodomie und Masturbation, Kindes-misshandlung; häufig verweisen sie auf die patriarchale Familienordnung als einen Ort tiefgreifender Störungen. Eine Parodie auf Autoritätspersonen, feste Familien-beziehungen und starre Begriffe von Sexualität sowie eine gleichzeitige Ironisierung der “amerikanischen Werte”.


geboren 1957 in Wien, lebt und arbeitet in Wien

Brigitte Kowanz ist dafür bekannt, dass sie suggestive Skulpturen, Installationen und Environments mit einem ganz und gar nicht physischen Medium schafft: Licht. Seit den frühen 1980er Jahren erforscht sie mit Neonröhren, LED-Glühbirnen, Aluminium, Spiegeln und Text sowohl die utilitaristischen als auch die konzeptuellen Resonanzen des Lichts. Als Inspirationsquellen dienen ihr so unterschiedliche Bereiche wie Werbung, Architektur, Film, Musik und die Geschichte der Malerei. In ihren frühen Arbeiten arrangierte Kowanz farbige Lichter zu Objekten, Installationen und Projektionen, um über die Art und Weise nachzudenken, in der Licht Raum, Zeit und unsere Wahrnehmungen durchdringt. Später begann sie, Sprache in ihre Arbeiten einzubeziehen – sie formte Text aus Neonröhren -, um die Art und Weise hervorzuheben, wie Sprache unsere Welt und unsere Identitäten formt. Durch die Verwendung von Spiegeln versucht Kowanz, die Grenzen zwischen Kunst und Leben zu überwinden und den Betrachter in ihre beleuchteten Visionen hineinzuziehen.


geboren 1977 in Stuckey, Florida, lebt und arbeitet in Brooklyn, New York

In einer multidisziplinären Praxis, die Videos, Performances und Musik umfasst, schafft Kalup Linzy satirische Erzählungen, die von Fernsehseifenopern, Telenovelas und Hollywood-Melodramen inspiriert sind. Linzy überschreitet bewusst die Grenzen in Bezug auf stereotype Vorstellungen von Rasse, Geschlecht und Sexualität und tritt in einer Reihe von einprägsamen, immer wiederkehrenden Rollen auf, meist in Drag. Er manipuliert die Stimmen und überspricht die Dialoge mehrerer Figuren. Der Künstler fungiert als Autor, Regisseur, Kameramann, Cutter und Schauspieler. Linzys einzigartige erzählerische Videos sind zugleich komisch, bissig und ergreifend und verbinden dramatische Intensität mit melodramatischer Ironie.

Seine Low-Tech-Erzählungen verkörpern eine DIY-Sensibilität, seine Kurzvideos hat er episodisch auf YouTube veröffentlicht.


geboren 1988 in San Francisco, lebt und arbeitet in Los Angeles

Große Farbflächen, gespenstische Wendungen und fehlende Teile, es sind traumhafte Visionen und Momentaufnahmen der Absurdität des zeitgenössischen Lebens die Calvin Marcus Kompositionen ausmachen. Tiere, humanoide Figuren, Innenräume und Landschaften; durch sorgfältig getroffenen formalen Entscheidungen versucht jedes Bild eine vollständige Autonomie innerhalb seiner Ränder zu erreichen. Der Maßstab wird verdreht und rücksichtslos eingesetzt, das Banale in Großes verwandelt. Auf das Wesentliche reduziert, entwickeln sie einen surrealen Humor und evozieren eine eigenwillige wie entwaffnende Sentimentalität.


geboren 1987 in Cambridge, USA, lebt und arbeitet in Los Angeles

Obwohl seine Gemälde eine Hommage an die Landschaft und die Kunstgeschichte Südkaliforniens sind, entwickelte Ben Wolf Noam das Verfahren für seine charakteristischen Laubbilder an der Ostküste. Als Student der Rhode Island School of Design begann er, Efeu von den Wänden seines Hauses in Brooklyn zu pflücken und auf Gemälde zu übertragen, um den Kampf zwischen Unkraut und Architektur zu symbolisieren. Heute sammelt Noam Laub aus dem Los Angeles River, einem Ökosystem, das bekanntermaßen durch Beton erdrosselt wurde und verkümmert. Er legt seine Fundstücke auf einer Leinwand aus, die er mit Farbverläufen besprüht, die an die visuelle Sprache der digitalen Bilderzeugung erinnern, und legt Masken übereinander, so dass die Flora Abdrücke erzeugt. In seinen Ausstellungen dehnt Noam seine zweidimensionalen Bilder zu Säulen, geodätischen Kuppeln und anderen architektonischen Formen aus.


geboren 1913 in Berlin-Charlottenburg, gestorben 1985

Von den frühen Bleistiftzeichnungen und Aquarellen in ihrer Jugend bis hin zu den späteren prächtigen Gouachen aus dem Jahr 1985, ihrem Todesjahr, lässt sich das zeichnerische Werk Oppenheims, das für sie ein zentrales Ausdrucksmittel war, nachvollziehen. Eine zentrale Periode waren die 1930er Jahre, eine Zeit, in der die leichte Verfügbarkeit des preiswerten Mediums eine wichtige Rolle spielte und es der Künstlerin ermöglichte, ihre Ideen in der (Tusche-)Zeichnung festzuhalten. Nach dem Krieg, vor allem in den 1960er und 1970er Jahren, schuf sie vermehrt Kreide- und Pastellzeichnungen.

Meret Oppenheims Arbeiten, in denen sich die Künstlerin eines reduzierten, oft kargen Bildrepertoires bedient, bestätigen, dass Unmittelbarkeit für die Qualität einer Zeichnung entscheidender ist als Virtuosität. Solche Qualitäten der Zeichnung waren dem künstlerischen Ansatz der Künstlerin mit ihrer charakteristischen Offenheit, Unmittelbarkeit und Intuition sicherlich sehr entgegenkommend. Die Natur, d.h. transformatorische Lebensprozesse, die elementaren Kräfte und Polaritäten (auch der Geschlechter) sowie die zeitliche und kosmische Einbindung sind zentrale Themen im Werk der Künstlerin. Es herrscht ein abstrakter, linearer Zeichenstil vor, in dem die Figuren und Dinge in wenigen, reduzierten Konturen erfasst werden. Das Dargestellte ist selten narrativ und thematisch kaum eindeutig zuzuordnen. Selbst die Titel können etwas rätselhaft sein. Groteske und sogar poetische Titel können Assoziationen wecken oder durch ihre scheinbare Beliebigkeit provozieren. Viele Zeichnungen zeigen eine Affinität zu den Werken surrealistischer Künstler. In Anlehnung an Bretons literarische Technik, die so genannte écriture automatique, versuchen sie, die Möglichkeiten des psychischen Automatismus in der Arbeit mit Bildern zu erschließen. Schon Meret Oppenheim konnte unbekannte Bildformen entdecken, in denen unbewusste Inhalte in Erlebnissen, die sich im Grenzbereich zwischen Wach- und Traumzustand oder im Prozess des Zeichnens abspielen, auftauchen können.


geboren 1981 in Montreal, lebt und arbeitet in Montreal, Kanada

Jon Rafmans Arbeit dreht sich um die emotionalen, sozialen und existenziellen Auswirkungen der Technologie auf das heutige Leben. Er ist weithin dafür bekannt, dass er gefundene Bilder von Google Street View in seinem Online-Kunstwerk 9-Eyes (2009-fortlaufend) ausstellt.

In Rafmans Arbeit steht die Beziehung zwischen Technologie und menschlicher Erfahrung im Vordergrund und untersucht das Spannungsverhältnis zwischen der Gleichgültigkeit der Kamera und der menschlichen Suche nach Bedeutung. Ein Großteil seiner Arbeit konzentriert sich auf die Melancholie moderner sozialer Interaktionen, Gemeinschaften und virtueller Realitäten (vor allem Google Earth, Google Street View und Second Life). Seine Videos und Kunstwerke nutzen persönliche Momente, um zu zeigen, wie Popkultur Ephemera und Subkulturen die Wünsche des Einzelnen formen und ihn oft auch selbst definieren.


geboren 1986 in Portland, lebt und arbeitet in New York

Aufbauend auf ihrer Ausbildung als Polsterin, liegen Jessi Reaves’ frühere Arbeiten – schrullige Lampen, monströse, intestinale Ottomane, Bastardierungen von ikonischen modernistischen Tischen und Stühlen – irgendwo im Grenzbereich zwischen Kunst und Design. Sie könnten benutzt werden, aber es bleibt die Frage: Wer würde sie benutzen? Die Objekte beschwören Visionen von der Behausung eines designbewussten Schiffbrüchigen herauf oder vom Moodboard eines Innenarchitekten, der Bunker für einen nuklearen Winter ausstatten will. Andere Arbeiten verfolgen einen etwas anderen Ansatz. Während Möbel, sowohl als Idee als auch als Rohmaterial, auch hier eine wichtige Rolle spielen, sind diese Skulpturen größtenteils nutzlos; sie sind mehr “über” Design als Design selbst. Jede Gleichung zwischen Funktionalität und Rationalität wird durch eine starke Dosis des Abjekten und Exzessiven aufgelöst.


geboren 1945 in Japan, gestorben 2019 in Japan

Der Künstler und Illustrator Toshio Saeki wurde durch seine surrealen, stark sexualisierten figurativen Siebdrucke bekannt. An der Kunstschule studierte er eher westliche als japanische Kunst, da er fand, dass letztere zu oft von Regeln, Traditionen und Konventionen diktiert wurde.

Mit seinen ungezügelten Erkundungen von Gewalt, Tod und Sex fängt Saeki in den 1970er Jahren den Nachkriegsgeist der kulturellen Rebellion und der gesellschaftlichen Neuerfindung ein. Saeki sah seine Erotika als unbewussten Ausdruck einer Kultur im Wandel. Inspiriert wurde er, wie er sagt, von einem Buch des französischen Illustrators und Schriftstellers Tomi Ungerer. Seine Bilder sind in erster Linie von Visionen, Träumen und Erinnerungen geleitet, greifen aber auf die japanische Tradition der erotischen und mythologischen Malerei sowie auf zeitgenössische Quellen wie Comics zurück.


geboren 1986 in Philadelphia, lebt und arbeitet in New York

Born Sammak nimmt häufig Stichproben aus dem urbanen Gefüge seiner alltäglichen Umgebung und aus den Bereichen Film, Fernsehen, YouTube und digitale Werbung. Seine Installationen, Videos und Wandarbeiten betten Materialien des täglichen Lebens ein und verschlüsseln sie, indem sie alltägliche Objekte und Texte, Schilder, Slogans, Kleidung oder Cartoons aufspalten und neu kombinieren – zu komprimierten Metaphern und dichten Mustern.


geboren 1960 in Hall, Austria, lebt und arbeitet in Wien

Eva Schlegel ist eine der erfolgreichsten zeitgenössischen Künstlerinnen Österreichs. Sie arbeitet hauptsächlich mit Fotografie und permanenten Installationen im öffentlichen Raum. Wiederkehrende Themen sind Texte und Poesie, gefundenes Fotomaterial, Frauenporträts sowie die Faszination des Fliegens und des Himmels. Die Künstlerin Eva Schlegel hat mit ihren Fotografien abstrakte Räume geschaffen. Gedruckt auf handgeschöpftem Büttenpapier (Hahnemühle) scheinen die Fotografien alle in ihrem Rahmen zu schweben, was ihre betont unscharfe Erscheinung noch zu verstärken scheint. Die Form bleibt mit einem neuen Inhalt erhalten, und in dieser gestörten Lesbarkeit verlieren die Bilder zwar ihre lebensnahe Konkretheit, aber sie entwickeln dadurch auch eine seltsam unwirkliche Präsenz. Die abstrakten, fast weißen Räume, die den Blick durch die gewollte Unschärfe nach hinten führen, scheinen einen besonderen Raum zu schaffen. Der simulierte Raum wird dadurch nicht nur weicher, sondern auch größer.


geboren 1952, Midland, Michigan, lebt und arbeitet in Los Angeles

Das Schaffen des amerikanischen Künstlers Jim Shaw umfasst ein breites Spektrum an künstlerischen Medien und visuellen Darstellungen. Seit den 1970er Jahren durchforstet Shaw den Abfall der amerikanischen Kultur und lässt sich von Comicbüchern, Groschenromanen, Rockalben, Protestplakaten, Gemälden aus Gebrauchtwarenläden und Werbeanzeigen zu seinen Werken inspirieren. Gleichzeitig hat sich Shaw immer wieder mit seinem eigenen Leben und insbesondere mit seinem Unbewussten als Quelle künstlerischer Kreativität auseinandergesetzt. Mit einer Mischung aus Persönlichem, Alltäglichem und Unheimlichem stellt Shaw in seinen Werken häufig Bilder von Freunden und Familienmitgliedern in einen Dialog mit Weltereignissen, Popkultur und alternativen Realitäten. Die Arbeiten enthalten Systeme von Querverweisen und Wiederholungen, die sich oft in langfristigen, narrativen Zyklen entfalten.

Shaws laufendes Projekt Oism ist ein Versuch, eine funktionierende Religion mit eigener Geschichte, Totems und Traditionen zu schaffen. Seit der 1990er stellt er weitreichende Recherchen über die Geschichte der amerikanischen religiösen Praxis an.


geboren 1959 in Meppen, Deutschland, lebt und arbeitet in Berlin und Hamburg.

Während Andreas Slominski in den frühen 1990er Jahren vor allem Skulpturen in kleineren Dimensionen schuf, hat er sich in den letzten Jahren auf großformatige Installationen verlagert. Seit seinen Anfängen suchte Slominski immer wieder den direkten Dialog mit dem Betrachter und hinterfragte Vorstellungen von Kunst und ihrer Rezeption. Seine so genannten “Fallen” sind absurd anmutende Köder, inspiriert von den skulpturalen Qualitäten, die er bei einer Wühlmausfalle beobachtete, und irgendwo zwischen Skulptur und funktionalem Objekt angesiedelt. Sie können als Kommentare zu den trügerischen, aber auch verführerischen Wirkungen der Kunst interpretiert werden. 

Slominskis raffinierte Fallen sind nur einer von vielen Bestandteilen seines ironischen Universums, zu dem auch Fahrräder, Windmühlen, gefundene Objekte und nicht-traditionelle Materialien gehören. In Anlehnung an die Readymades von Marcel Duchamp verwandelt er diese Alltagsgegenstände durch ihre Einbindung in einen Kunstkontext und verdeutlicht, wie Wahrnehmung und Erwartung unseren Blick auf sie bestimmen. Im Jahr 2006 führte er Farbe und klassische Reliefs in seine Praxis ein. Im Einklang mit seinem satirischen Ansatz wird der feine Marmor, der normalerweise mit diesen Formen assoziiert wird, durch billiges Polystyrol ersetzt, während traditionelle malerische Themen gegen kitschige Motive und Farbschemata ausgetauscht werden


geboren 1930 in Galati, Rumänien, lebt und arbeitet in Wien

1959 erfand Daniel Spoerri das “Tableaux-piège” oder “Fallenbild”, indem er alle Dinge, die sich zufällig auf einem Tisch befanden, zusammenklebte und diese dreidimensionalen Stillleben dann an die Wand hängte.

Kai Schupke hat die Arbeit von Daniel Spoerri wie folgt beschrieben: “Spoerri sammelt alte Dinge auf Müllhalden und Flohmärkten. Indem er unbenutzte Dinge sammelt, die von der Gesellschaft an den Rand gedrängt, verdrängt, weggeworfen wurden, Objekte, die aus dem Kreislauf ihrer Verwendung herausgefallen sind, keinen Platz mehr in der Ordnung der Dinge haben, macht er auf das System der Kultur mit seinen Mechanismen der Abwertung und Ausgrenzung aufmerksam. Man muss die Realität sichtbar machen. Nicht ihre Schokoladenseite, sondern die Unordnung, den Müll, den abgegessenen Tisch”.

Daniel Spoerri wendet das Prinzip des Fallenbildes in verschiedenen Kontexten an. In einer Arbeit mit dem Titel “Künstlerpaletten” fixiert er die Arbeitstische von befreundeten Künstlern oder verklebt den Inhalt von Schubladen mit allem, was er darin findet. Rückblickend bezeichnet Spoerri dies als “Probebohrungen”. Es geht ihm immer darum, ein Stück Realität zu zeigen. Dazu gehören auch Flohmarktstände.

In seiner Serie von Flohmarkt – Fallenbildern greift der Objektkünstler, der sich selbst einmal als “Handlanger des Zufalls” bezeichnete, seine Ideen von 1966 wieder auf. Er hat Flohmarktstände ausfindig gemacht, an denen am Ende des Tages nur noch ein paar Gegenstände übrig blieben, die niemand mehr haben wollte. Und so entstand die Serie “What Remains”.


geboren 1975 in Turku, lebt und arbeitet in Finland

Iiu Susiraja arbeitet hauptsächlich mit fotografischen und videobasierten Selbstporträts. Sie entwickelt dramatische häusliche Situationen, in denen es um Weiblichkeit, den Körper, Traditionen, soziale Stereotypen und Liebe geht. Indem sie die Kamera auf sich selbst richtet, dokumentiert sie die Freiheit des Selbstausdrucks und die Freiheit, die Privatsphäre und Intimität des eigenen Heims in den öffentlichen Raum zu übertragen. Ihre Selbstporträts sind vielschichtig, strategisch angelegt und geradezu witzig.


geboren 1933 in Brooklyn, gestorben 1988 in New York City, USA

Als Bildhauer, Maler und einer der ersten Künstler, die Environments oder Installationen schufen, verband Paul Thek Themen wie die Existenzangst mit Elementen der Kunstgeschichte und der zeitgenössischen Kultur zu einer Kunst, die sowohl formale als auch konzeptionelle Fragen stellte. 1964 wurde Thek mit einer Serie von “Meat Pieces” bekannt: Imitationen von Fleischklumpen aus farbigem Wachs, die wie Schmuckstücke in schön gefärbten Acrylboxen präsentiert wurden. Ende der sechziger Jahre ging Thek nach Europa, wo er außergewöhnliche Environments schuf, in die er Elemente aus Kunst, Literatur, Theater und Religion einfließen ließ, wobei er oft zerbrechliche und vergängliche Substanzen wie Wachs und Latex verwendete. Ende der siebziger Jahre zog Thek zurück nach New York und wandte sich der Herstellung kleiner, skizzenhafter Gemälde auf Leinwand zu, obwohl er weiterhin Environments in wichtigen internationalen Ausstellungen schuf. Mit der häufigen Verwendung von leicht verderblichen Materialien akzeptierte Thek die Vergänglichkeit seiner Kunstwerke.


geboren 1939 in Chicago, gestorben 2021 in Chicago, USA

Karl Wirsum wuchs in der South Side von Chicago auf und fühlte sich schon als Kind von der Rhythm-and-Blues-Musik und dem Maxwell Street Market, einem Freiluft-Flohmarkt, angezogen. Inspiriert von seinen visuellen und klanglichen Erfahrungen und Erinnerungen, strömte die Zeichnung aus Wirsum in ähnlicher Weise wie der Klang aus einem improvisierenden Musiker.

Wirsums ikonischer Stil beruht auf einem Prozess der freien Assoziation und zeichnet sich durch flache Formen, dynamische Linien, eine kräftige Farbgebung und den Verzicht auf malerische Expression aus. Zu seinen Inspirationsquellen zählten auch mesoamerikanische Kunst und Artefakte, sowie Comiczeichnungen. Durch seine Freundschaft mit Don Baum, dem Ausstellungsleiter des Hyde Park Art Center, wurde Wirsum Teil der Hairy Who, einer Gruppe, die Mitte der 1960er Jahre begann, unkonventionelle helle, kühne grafischen Arbeiten auszustellen und so die Kunstlandschaft Chicagos veränderten.


geboren 1990 in Montreal, Kanada, lebt und arbeitet in New York, USA

Chloe Wise arbeitet mit verschiedenen Medien, darunter Malerei, Skulptur, Video und Installation. Mit ihrem Interesse an der Geschichte des Porträts untersucht Wise die vielfältigen Wege, die zur Konstruktion eines Selbst führen und legt dabei besonderes Augenmerk auf die Verflechtung von Konsum und Bilderzeugung. Mit augenzwinkerndem Humor verweist sie auf kanonische Tableaus wie Manets Déjeuner Sur L’Herbe und erforscht die gemeinsamen projizierten Sehnsüchte, die sich um Essen und den weiblichen Körper ranken. Akribisch von Hand bemalte Abgüsse von Lebensmitteln dienen der Künstlerin als Grundlage für ihre bildhauerische Praxis, bei der sie durch seltsame Zusammenstellung der nun in Kunststoff eingefrorenen Güter, mit der An- und Abwesenheit von Unveränderlichkeit und Vergänglichkeit, Fiktion und Realität spielt. Werbung, Mode, Tabus, multinationale Marken – Wise betrachtet die Konsumgewohnheiten, die um diese Strukturen herum aufgebaut wurden, mit Parodie und Spott und geht der Frage nach, wie der Körper durch diese erfasst und manipuliert wird.


geboren 1966 in Heppenheim, Deutschland, lebt und arbeitet in Berlin

Thomas Zipp studierte an der Städelschule in Frankfurt am Main und an der Slade School in London, England. Zipp arbeitet in verschiedenen Medien, darunter Collage und Assemblage; er ist auch als Maler, Zeichner, Fotograf, Musiker und vor allem auch als Schöpfer großer Installationen tätig, in denen er die Gesamtwirkung aller in einem bestimmten Raum verwendeten Instrumente und Objekte in den Mittelpunkt stellt. Performances spielen in seinem Werk eine wichtige Rolle. Sie werden oft von Amateuren oder Studenten aufgeführt, die nur kurze Informationen über den möglichen Ablauf erhalten. Die meiste Zeit beschäftigt sich der Künstler mit den Begriffen der Vergangenheit, der Geschichte und der Erinnerung, wobei er seine Themen aus allen Bereichen des Lebens ableitet – wie Religion, Geschichte, Psychoanalyse, Heavy Metal, David Bowie – und das Ergebnis in Form von suggestiven Installationen, Environments und Pastiches zum Ausdruck bringt.